Artes Visuales 🎨 2

 

"La belleza perece en la vida pero es inmortal en el arte."


Leonardo Da Vinci





<<Semana 6>>




Planking: fotografiarse haciendo la plancha, ¿parkour para vagos?

 
La práctica consiste en, simplemente, tumbarse boca abajo en un sitio inusual. Debes mantenerte así hasta que un acompañante te tome una foto para luego publicar la hazaña en redes sociales.
Es una competencia continua entre los jugadores por encontrar la ubicación más llamativa para hacer el registro, y cuanto más público y concurrido sea el lugar, mejor. El objetivo final del juego, es que tu foto se convierta en la más popular.



Esta práctica, calificada como "parkour para vagos", fue creada por Gary Clarkson y Christian Langdon en 1997​, y aunque primero se hizo popular en el Norte de Inglaterra, ​ya para el 2009 todo Reino Unido estaba enterado.
A pesar de que se les ocurrió a dos jóvenes británicos, el nombre que ahora tiene fue acuñado por los australianos, país en el que tuvo especial popularidad y también en el que resultó ser objeto de controversias.

El crecimiento de este fenómeno es un evento cultural que se expande gracias a la virtualidad, y que rápidamente se convierte en una tendencia mundial justamente, porque muchos participan.
La persona que notó la posibilidad de expandir aún más la tendencia vía internet fue Daniel, en 2007. Él mismo afirma que: "ellos comenzaron a acostarse boca abajo en bares y clubes, y a competir. A partir de ahí comenzamos un grupo en Facebook para ver quienes lograban las fotos más locas". Además, agrega: “pensamos que sería comiquísimo, si vas de vacaciones, tomarte una foto frente a la torre Eiffel o frente a la torre inclinada de Pisa, y hacerlo acostado, luciendo completamente desinteresado".



En la página oficial de Facebook, se muestran unas cuantas reglas que debes tener en cuenta a la hora de jugar planking:

-debes acostarte siempre boca abajo con cara inexpresiva;

-tus piernas tienen que estar rectas y juntas, con los dedos de los pies tocando el suelo de punta;

-los brazos deben colocarse a los costados y rectos, y las manos abiertas y los dedos pegados;

-anunciar que es planking con severidad, para un buen resultado. Decir ¡soy planking!, como grito de guerra;

-siempre ten en cuenta tu seguridad. Los procedimientos del planking bien pensados ​​siempre deben ir según lo planeado y nunca te expongas a riesgos indebidos; -tienes que nombrar cada foto que captures haciendo plancha.

El blog “Slactory” publicó un artículo titulado “Plancha Virtual: los videojuegos van boca abajo”, con una compilación de ejemplos de planking que hacían los personajes de varios videojuegos famosos como el Call of Duty, Los Sims, Minecraft, Halo y World of Warcraft.

https://www.youtube.com/watch?v=pPH6pleCKj0
https://www.youtube.com/watch?v=vQNTN8Z8AJY
Te invitamos a ver los enlaces que compartimos, pero tenemos que advertirte sobre un pequeño detalle… si al terminar de leer, te levantas de la silla inspirado y dispuesto a tomarte algunas fotos haciendo planking, no descuides los aspectos de seguridad. La recomendación que se hace en la cuenta de Facebook oficial, va en serio. En los videos las personas se suben a lugares un tanto peligrosos, pero se puede lograr la misma impresión positiva y de aclamación, usando tu inteligencia y creatividad. ¡Mucho cuidado!








 


<<Semana 4>>




Pintura Sobre Corteza: una ventana al Tiempo del Sueño 

Es un tipo de arte aborigen de las regiones norteñas de Australia, caracterizada principalmente porque las representaciones se aplican sobre la cara interna de una tira de corteza. Tradicionalmente, estas pinturas fueron producidos con motivos ceremoniales y como soportes gráficos para enseñar. 



Los dibujos son diseños tradicionales cuya propiedad es en su totalidad del artista o del clan al que pertenece, y no pueden ser reproducidos por otros. La concepción moderna de pinturas sobre corteza apareció por primera vez en la década de 1930, cuando unos misioneros sugirieron a los locales que sus obras podrían ser vendidas en las ciudades de Nueva Gales del Sur y Victoria, con el fin de recaudar dinero para ayudar a pagar la misión y para educar a los blancos sobre la cultura Yolngu (pueblo que habita Arnhem, al noreste del país). A medida que el comercio creció, la demanda de pinturas aumentó. Hoy en día es común encontrar remeras estampadas con estos motivos por toda Oceanía. Recién a fines del siglo 20, la pintura sobre corteza dejó de ser tomada como artesanía local para empezar a considerarse un estilo de arte

Los trabajos se producen mediante el raspado y/o coloreado de dibujos simbólicos directamente sobre el material. Se suele usar la corteza interna de la llamada “Morera del Papel” (Broussonetia papyrifera). Otro tipo de corteza es la perteneciente a la del árbol “Stringybark” o “Corteza Fibrosa” (Eucalyptus tetradonta), cuya madera es rígida, densa, medianamente duradera y útil para fabricar postes, construir viviendas y confeccionar muebles. Antes de comenzar el trabajo, se debe elegir una corteza libre de nudos y otros defectos. Esto se realiza durante la estación húmeda, cuando la savia es abundante dentro de la planta. Una vez seleccionadas, las cortezas se pelan cuidadosamente, dejando intacta solo la parte interna. Una vez hecho esto, se aplana la superficie con el pie, rocas o troncos y se calienta cerca del fuego para que la savia se evapore y la madera consiga rigidez. Para pintar se usan variedad de pigmentos naturales color rojo, amarillo y negro, óxidos minerales de hierro o manganeso y carbonato de calcio. Tradicionalmente después de terminar el diseño, la pintura se fija con el jugo de la “Orquídea” (Orchidaceae).

 
 
Los dibujos tratan temas sagrados que incluyen patrones abstractos y formas como el rayado cruzado, que identifican un clan, y a menudo contienen elementos del “Tiempo de Sueño” (según la mitología, es el tiempo más allá del tiempo… aquel en el que todo se creó). A una persona “no iniciada” sólo le está permitido pintar el tipo de historia que se le podría contar a un niño. En cambio, alguien preparado, puede pintar un “Interior de Historia”, que se limita el conocimiento. Cuando un artista hace una pintura, tiene todo el derecho del mundo a mostrarla y venderla, pero según la costumbre, no puede contar la historia que narra porque carece de autoridad.

Los componentes gráficos que suelen estar presentantes en estas obras son: 

-Base o Suelo: la corteza se cubre con una capa de color rojo o blanco, y a veces negro o amarillo; 

-Fronteras: se encuentran en la mayoría de las obras y suelen ser amarillas; 

-Líneas Divisorias: a veces una pintura se divide en bloques por una serie de líneas, y cada bloque se puede tomar como figura completa o según la cantidad, como escenas diferentes; 

-Diseños Figurativos: son dibujos que se parecen al objeto o animal que se quiere representar, pero no es una representación ni abstracta ni muy real del mismo;.
 

-Geometrías: los diseños geométricos son símbolos de representación, y su significado varía según el contexto que se comunica (un triángulo podría representar una montaña en este cuadro, pero en otro puede referirse a un árbol, por ejemplo); 

-Clanes: son figuras sagradas y consisten en una combinación de símbolos, diseños geométricos y rayado cruzado. En un principio estos dibujos no eran mostrados al público, pero hoy en día aparecen en las pinturas comerciales; 

-Rayado Transversal: es uno de los rasgos más característicos de estas pinturas, y el color que se elija representará a determinado clan en la composición. 

A continuación, te dejamos dos enlaces para que conozcas un poco más sobre este estilo repleto de representaciones milenarias y misticismo tradicional. 

https://www.youtube.com/watch?v=OZj1EyYjaT0&amp;t=96s

https://www.youtube.com/watch?v=5PhRqKVkLDY

Esperamos que el artículo no haya hecho más que aumentar tus ganas de conocer más sobre el tema. 

¡Buena semana!



 


<<Semana 3>>



Sumi – e: tinta negra para obras llenas de vida.
 

Es una técnica de pintura en tinta negra cuyo origen es chino. Fue introducida a Japón por los monjes del budismo zen en el siglo 14 d.C., y rebautizada por los mismos como “Sumi-e”, que significa tinta (sumi) y pintura (e). Consiste fundamentalmente en combinar la mayor variación posible de tonos a partir de una tinta monocromática, aunque se pueden usar colores pastel en la composición, y solo como suplemento del negro.

               

La temática representada suele ser naturalista. Esta costumbre se heredó de la filosofía taoísta, la cual se basa en el respeto hacia la naturaleza buscando plasmar en el papel todo lo que tenga vida sin detenerse en los detalles, y siempre con una mentalidad de desapego, contemplación, simplicidad, espontaneidad y respeto.

Como no podía ser de otra manera, tratándose de un arte milenario en el cual la pintura es extensión de la caligrafía, su aprendizaje debe ser ordenado y la práctica concienzuda. Primero se estudian los llamados “4 Caballeros (o Nobles) de la Pintura”:

-caña de bambú (representa el verano y la integridad);

-orquídea (representa la primavera y a la femineidad);

-ciruelo (representa el invierno y la pureza); -crisantemo (representa el otoño y a la humanidad).

Son estilos de trazo con los que se empieza a manejar el pincel y la cantidad de agua necesaria. Una vez completada esta etapa, ya no hay un orden establecido para continuar el perfeccionamiento, así que, a partir de ahí, uno puede seguir generando temáticas con motivos florales, árboles, paisajes, animales, etc. por su propia cuenta.

Los materiales necesarios son:

-una barra de tinta china

-un recipiente con algo de agua

-pincel

-papel de arroz

-piedra de desgastar (en ella se desgasta la barra y se diluye con agua, obteniendo distintas densidades)


Los materiales opcionales son:

-sellos de piedra para firmar el trabajo

-pincel oriental

-madera o tela (en vez de papel de arroz)


El Sumi-e es un arte libre de presiones y responsabilidad. El objetivo no es producir una obra magistral, exitosa, memorable o eterna (esas son ideas occidentales). Existe la concepción de que no hace falta crear obras fabulosas, porque los grandes maestros ya se encargaron de ello.

Cuando la técnica pisó suelo japonés, se implementó:

-el uso del pincel de pelo fino con mango de bambú, el cual se usaba para lograr un trazo fluido;

-la técnica conocida como “aguada” (aguar pintura para conseguir densidades variadas);

-el papel de arroz como soporte gráfico.

Otra característica del Sumi-e es que no utiliza líneas muy marcadas, lo cual hace que los elementos de una pintura se muestren suavemente después de cada pincelada, algunas manchas o líneas muy tenues. Además, se debe mover el pincel horizontalmente sobre la hoja, manteniéndolo vertical con la muñeca rígida (el brazo es el que se arquea) y a mano alzada, es decir, sin instrumentos guía. No solo se requiere destreza técnica para su realización, sino que también debe estar acompañada por la sensibilidad del artista para lograr una adecuada modulación del trazo. 



Los espacios en blanco son, en la pintura oriental, un elemento indispensable y totalmente expresivo. Se pueden comparar con los silencios en un poema o en la música, llegando a tomar un papel activo en el trabajo y produciendo una sensación de aire y desahogo.

No se trata de copiar los paisajes o las plantas. Es importante mantener siempre la imagen que se quiere proyectar en mente, disfrutar su belleza y pintar de memoria lo sentido. El arte del Sumi-e apunta a captar la esencia del objeto más que su apariencia. La técnica no funciona sin paciencia, porque únicamente con autodisciplina y concentración se consigue equilibrio, ritmo y armonía en la composición.

A continuación, te dejamos un enlace para darte un empujoncito inicial para que descubras un poco más esta singular técnica expresiva y también por qué no, filosofía de vida… claro, si es que no la conocías antes: (Ver).


¿Qué te parece esta técnica? ¿Qué ideas se te ocurren para usarla? ¿Ya la utilizabas antes?

Dejanos abajo tus comentarios, los esperamos con ansias.

¡Te leemos!
 

 



<<Semana 2>>


Quimigrama: ¿foto o pintura? 


Es una técnica de artes plásticas que produce imágenes combinando procedimientos y materiales propios de la pintura y la fotografía, tales como revelador, papel fotográfico y fijador dando resultados símiles al trabajo con acuarela.

 
    
  
 
Se atribuye su creación a Pierre Cordier, un fotógrafo belga, quien en 1956 ideó el proceso de generar imágenes que no se obtienen mediante una cámara de fotos, sino combinando técnicas pictóricas con la adición medida de productos químicos. Por ende, quimigrama se podría describir como “fotografía a la inversa” ya que primero actúan los reveladores. 

Su realización es bastante simple. Se utiliza un papel fotosensible y sobre él se colocan los objetos planos o tridimensionales que se quieran aplicar (tela, hojas del árbol, monedas, planchas texturadas, etc.). Luego, el papel con dichos objetos debe ser expuesto a la luz y posteriormente revelado. En los sectores donde la luz llegó al papel, quedará impreso en negro y donde no llegó, que es bajo los objetos, dará como resultado blanco. Así uno puede formar composiciones a gusto y probar texturas. También se pueden dibujar y pintar filminas para colocar arriba del papel, las cuales funcionarán como un negativo (las luces aparecen en tono oscuro y las sombras, en tono claro). El fijador y la química se encargarán haciendo que aparezcan los motivos (gráfico elegido) sobre la superficie en una suerte de azar creativo, por lo que no tendrás un total control en el resultado…pero ahí está la magia del proceso. Se crearán entonces desprendimientos y grietas que resultarán en una obra vanguardista.

Para diferenciar términos y fortalecer la idea, el fotograma es pintar con luz y el quimigrama es pintar con químicos, los cuales pertenecen al laboratorio fotográfico (revelador, detenedor y fijador). El proceso consiste en pintar o humedecer el papel fotográfico con revelador y alternar con fijador. Cada uno hará reaccionar la química del papel de distinta manera. Si se pinta con revelador, el trazo quedará negro y si se pinta con el fijador el trazo quedará blanco. Además, se pueden usar barnices para pintar la superficie que se pretende, quede intacta. 

Algunos fotógrafos que practican la técnica son:

-Fanny Béguély (Ver

 
Fuente:
https://www.kisskissbankbank.com

-Julio Álvarez Yagüe (Ver

 
Fuente:https://hunterartmagazine.com

-Urania Cordova (Ver


Fuente: Facebook

Para elaborar una obra es necesaria una idea y en el caso del quimigrama, técnica basada en el azar y la aleatoriedad donde la luz y la química interactúan, los resultados variarán de interpretación según cada espectador. “Azar” …te invitamos a recordar esta palabra la próxima vez que te detengas a ver la lluvia por la ventana o que después de bañarte, al desempañar el espejo con la mano, observes los patrones que recorren las gotas. Si le sacaras una foto cada vez que pasa, nunca se repetirán los mismos trazos y por más que el dibujo se parezca al anterior, jamás será igual.




Semana 1

La Primera Obra del Maestro Picasso: “El Picador”

Si quisiéramos saber dónde empieza la historia del maestro Picasso, su infancia nos trae consigo sus inicios plasmados en obras que ayudan a enterarnos mejor de su evolución como artista , como ícono, como genio en su rubro.  En esta ocasión, te compartimos la primera obra del maestro Picasso, ¿Estabas enterado de la misma? Adentrémonos en ella... 

 

 
Fue pintada en 1890, cuando Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso tenía 8 años.

Está hecha sobre la tapa de una caja de cigarrillos puros, al igual que otras tantas obras del artista, lo que explica el tamaño reducido que tiene. La misma mide tan solo 24 cm de largo x 19 cm de ancho, y se mantiene en una colección parisina privada.

La razón del trabajo es puramente taurina, temática que se puede ver en muchos lienzos a lo largo de su carrera.
A pesar de la corta edad que tenía el maestro en esos tiempos, ya se empezaba a revelar la técnica y el talento, tratándose sobre todo de una pintura tan lograda hecha al óleo.



¿Qué es un picador?





     mundoEn el mundo de las corridas de toro, es el encargado de preparar al animal para lo que se llama “el tercio de muleta”, es decir, lidiar con el toro usando el paño rojo antes de la estocada. Lleva la responsabilidad del toreo a caballo y una vara larga con la que trata de mantener a raya al toro.


En la pintura “El Picador Amarillo” como también se la conoce, se observa a dicho personaje montando un caballo delgado con unas personas garabateadas en el fondo (son los espectadores), necesarios para la comprensión de la obra.
 




Salvando a las críticas que podrían proponerse en cuanto a técnica, materiales usados o formación, el hecho de que un niño se detuviese a mirar una situación cotidiana, capturara ese momento en su retina y que después de llegar a casa, agarrase lo que tenía a mano y con la ayuda de pincel, colores y un recuerdo, compusiera su propia escena sin importar el resultado y solo movido por el capricho de volver a sentir lo que sintió en aquel momento, es una actituda muy humana que no necesita preparación de academia.
En palabras de Andy Warhol: "un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles."

¿Qué te pareció "El picador"? ¿Se te viene a la mente tu 'yo' de niño artista? ¿Te gustaba dibujar y pintar?

Esperamos tus comentarios abajo.


¡Te leemos!